"Not a Pax Americana" – réflexions cinéphiles…

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Deux semaines de films – du 23 août au 2 septembre 2012

Posted by Axel de Velp sur 10 octobre 2012

 Toujours en rattrapage des séances de la fin de l’été et de la rentrée, vous trouverez ci-après 5 critiques, aux ambitions diverses et sur des films très différents les uns des autres. En espérant que des envies de (re)découvertes vous titillent après cette lecture, je vous dis à la prochaine…

Jeudi 23 août

Expendables 2 (réal. Simon West, 2012)

Malheureusement cette suite est bien en-deçà du premier opus, qui avait, lui, été réalisé par Stallone lui-même. La faute certainement à un film qui se prend bien moins au sérieux que le premier. D’abord les cameo de Willis, Schwarzenegger, Van Damme et Norris n’en sont plus vraiment et travaillent énormément les gros clins d’œil à leurs carrières respectives. Si tout cela peut prêter à sourire, la première conséquence est d’éloigner le film d’un traitement plus brut (plus bourrin diront certains), qui avait été le point fort du premier film et même des précédents films de Stallone (dont le John Rambo de 2008 en était un parfait exemple). Finalement si Expendables 2 loupe le coche, c’est bien moins parce que sa réalisation est confuse et peu aboutie (la faute à un réalisateur qui ne fut jamais vraiment inspiré sur aucun de ses films – Simon West), que les scènes d’action sont très clairement un cran en-dessous, mais surtout parce qu’en choisissant de traiter son sujet avec ironie et humour, le film ne fait que rattraper tous ceux de la fin des années 90 et début 2000, qui n’avait plus la force et la radicalité (et l’insouciance aussi, voire l’immoralité parfois malheureusement) des films d’action des années 80.

Dimanche 26 août

To be or not to be – Jeux dangereux (réal. Ernst Lubitsch, 1942)

Comédie « dramatique » sur le nazisme et la Seconde Guerre Mondiale, tourné en plein milieu des événements qu’il dépeint, le film de Lubitsch démontre toute la force comique du cinéaste, à la fois dans une écriture intelligente et drôle, mais aussi dans un vrai souci de mise en scène comique, qui emprunte à la fois au théâtre de boulevard (l’inspiration est logique au regard du sujet du film), et au burlesque. Bénéficiant d’un excellent casting, dont l’équilibre des talents n’est jamais compromis, To be or not to be est avant tout un film pour et sur les comédiens. Mais en osant s’attaquer au nazisme, le cinéaste n’oublie pas de s’intéresser à un sujet contemporain et sérieux, comme il le fera souvent tout au long de sa carrière. En traitant ce sujet par le biais de la comédie à cette époque, il nous donne à nous spectateurs d’aujourd’hui, une leçon à la fois d’humilité sur ce qu’est un engagement politique et idéologique, même lorsque l’on est un artiste de la comédie, et une leçon de cinéma, comme Chaplin l’avait fait avec Le Dictateur deux ans auparavant.

Mardi 28 août

Les Vacances de Monsieur Hulot (réal. Jacques Tati, 1953, version 1978)

Plusieurs fois remonté par le cinéaste lui-même, le film de Tati n’a pas perdu aujourd’hui de sa force comique. Héritier du burlesque originel, Tati sait jouer avec son corps et les décors qu’il met en scène. L’hôtel, la plage, la voiture, les bateaux, tout n’est que prétexte pour que le corps « désordonné » de Monsieur Hulot n’ait de cesse de chercher à s’accorder avec le monde extérieur, avec force gags et gaffes. Appuyé par une bande son qui colle toujours parfaitement aux situations et vient elle-aussi travailler les effets comiques des différentes scènes, le film donne toute sa force, alors même que très peu de dialogues viennent nourrir l’écriture profondément visuelle du film. Sans-gêne par distraction, culotté par excès de prudence ou de politesse, le personnage de Tati bouscule aussi les habitudes et les certitudes de la petite bourgeoisie qu’il a choisi de gentiment railler, tout en étant très conscient qu’il en est lui même issu…

Vendredi 1er septembre

L’Armée des ombres (réal. Jean-Pierre Melville, 1969)

Certainement mon œuvre préférée sur le sujet de la Résistance française pendant la Seconde Guerre Mondiale, le film de Melville est une épopée intime aux accents tragiques. Le choix de la voix-off, donnant un côté littéraire au film, héritage logique de l’adaptation de l’œuvre de Kessel, permet au spectateur de se faire le témoin intime des tourments que traverse le personnage principal, magistralement interprété par Lino Ventura. Le film est soutenu par une mise en scène impeccable, avec des plans longs et donnant de l’ampleur au jeu des comédiens (tous excellents, tout particulièrement Signoret, Meurisse et Barbier), tout en sachant ménager un cadre et une composition qui fassent la part belle aux ambitions esthétiques du film. Baigné dans une photographie dont les nuances de gris semblent infinies, le film apporte visuellement un cachet « naturaliste » au sujet qu’il aborde. Mais Melville sait pertinemment que son film appartient au registre de la fiction et il se permet quelques entorses à la réalité, qui ne servent uniquement qu’à asseoir son propos dans un cadre poétique et dramatique. De ce film, tout le monde connaît la scène de fusillade dans le tunnel et le choix que Gerbier (Ventura) fait au début de cette scène. L’acte de résistance par excellence : celui qui résiste non plus à un ordre extérieur, hétérogène à la volonté de l’esprit et du corps, mais celui de l’esprit qui résiste contre son propre corps, son instinct de survie, pour ne pas offrir à l’officier SS ce que celui-ci attend. Bien entendu, Gerbier ne résiste pas longtemps, la survie étant ancrée en chaque être humain, plus profondément que le désespoir et le renoncement, mais Melville montre ici ce qu’est la force de caractère et comment la puissance d’une idée peut s’opposer à celle de la terreur. D’ailleurs à la fin du film, il nous sera dévoilé qu’ une nouvelle fois arrêté, Gerbier décidera bien cette fois-là de ne pas courir, du tout !

Cette scène est certainement la plus connue du film et pour de bonnes raisons. En revanche, ce qui est moins connu, c’est ce plan étrange que l’on peut relever dans ceux qui précèdent la fusillade à proprement parler. Gerbier et ses co-détenus avancent dans le couloir qui va les amener devant les mitrailleuses. Il se rappelle alors des moments vécus, an autant de plans insérés dans le montage : la mort du traître, une balade avec Mathilde, une jeune anglaise dans un bar ET un livre de Luc Jardie – le Patron – dont le titre est « Transfini et continu ». Seulement voilà, si tous les autres inserts renvoient à des images précédemment vues dans le film, il n’en est rien de celle-ci… Alors notre sentiment à la première vision du film, c’est que cette image est celle d’un souvenir « hors-champ », un souvenir qui ne renvoie à rien d’intelligible pour le spectateur. Sauf que voilà, quelques minutes après la fin de la fusillade, alors que Gerbier s’installe dans sa planque pour se faire oublier, il regarde quelques bouquins et, surprise, il prend dans ses mains le livre en question, « Transfini et continu ». Le plan est exactement le même que celui d’avant la fusillade. Étrange coïncidence, non ? Bien sûr, on peut penser qu’il s’agit là d’une simple erreur de montage, d’une économie de moyens sur les plans, ou au pire d’un usage de la figure de l’insert comme simple contenant prêt à remplir sa fonction de bouche-trou… Mais je me refuse de croire à de telles explications. Melville n’est pas un réalisateur de seconde zone et les personnes qui travaillaient avec lui sur le film non plus. Alors quid de ce plan ? Comment se fait-il que le cinéaste, dans un film dont le naturalisme est posé comme ambition esthétique, se permette ce que nous nommerions aujourd’hui un « fast-forward » ? L’explication est-elle à chercher du côté du discours tenu par Gerbier alors qu’il marche vers la mort et surtout par sa conclusion finale : à force de ne pas croire sa mort possible jusqu’au dernier instant (qui sera le fondement même de son acte de résistance quelques minutes plus tard), on ne mourrait finalement jamais… Et si l’on ne meurt jamais, c’est donc que l’on est immortel, que la vie est un grand tout qui n’a ni fin donc ni commencement, qu’elle se referme sur elle-même… Elle est « continue » et si le transfini du livre renvoie à la notion de Mathématique qui veut que les nombres transfinis soient des nombres ordinaux (c’est à dire indiquant une position) dans un ensemble ordonné infini, alors il n’y a qu’un pas à franchir et je me permettrai de le faire : Gerbier au moment de ne pas croire qu’il va, ou plutôt, qu’il peut mourir, en acquiert même la certitude, puisqu’il a une vision du futur : événement possible car bien que transfini (occupant une position précise dans un ensemble ordonné infini – chef de cellule de la Résistance), il est néanmoins continu… Melville finalement ne fait que prolonger l’idée émise tout haut par Gerbier ensuite : la force de la volonté de l’esprit sur celle du corps transcende la peur, mais aussi le temps et l’espace, elle est fondamentalement ce qui nous permet de résister, face à soi et aux autres !

Dimanche 2 septembre

Le Mystère Silkwood (réal. Mike Nichols, 1983)

Réalisé par le cinéaste qui nous a donné entre autres Le Lauréat, Catch 22, Primary Colors, La Guerre selon Charlie Wilson, le film dépeint l’histoire vraie de la lutte d’une ouvrière d’une usine de traitement de déchets nucléaires contre sa hiérarchie et le lobby nucléaire américain. Film autant sur les dangers du nucléaire (entre 1971 et 1983, les USA connaîtront au moins 4 accidents nucléaires importants, dont celui de Three Mile Island) que sur la lutte syndicale en général, Silkwood ne ménage ni son sujet ni son propos. Film engagé, il dénonce sans ambages des conditions de travail honteuses et dangereuses, où l’exploitation des hommes est véridique, quand bien même elle se fait de manière dissimulée. On ne peut qu’être horrifié devant les scènes de « douche » pour la décontamination des ouvriers irradiés. Nichols suit avec intelligence la descente aux enfers du protagoniste principal, qui alors même qu’elle apprend sa condamnation médicale ne lâchera jamais la lutte, au point que sa mort reste toujours aujourd’hui suspecte. Le casting est excellent : Meryl Streep est convaincante et habitée par le rôle ; Cher en amie lesbienne est étonnante de naturel (bien qu’elle joue, comme souvent dans sa carrière, un rôle presque taillé sur mesure à son exubérance) et Kurt Russell en petit ami bourru est tout simplement étonnant de par la présence qu’il donne à chacun des plans où il apparaît. Un must-see en ces temps de remise en question de l’énergie nucléaire et de ses conséquences, y compris lorsque tout « se passe bien »… !

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Une semaine de films – du 4 au 10 juin 2012

Posted by Axel de Velp sur 14 juin 2012

Je vous propose, à l’occasion, un récapitulatif des films que j’ai visionnés sur une semaine et de vous en donner une lecture, à la fois critique, partiale et plus ou moins succincte, selon ce que les films m’inspireront au fil de l’écriture de ces billets, que je souhaite les plus spontanés possible. J’espère parfois vous donner envie ou vous dégoûter, selon chacun, chacune et chaque film…
Dans la mesure du possible, je m’abstiendrais de dévoiler trop des films, sauf quand j’estimerai qu’ils font partie du patrimoine cinéphilique obligatoire (j’exagère bien entendu), ou bien lorsque mon propos ne pourrait se passer, pour être limpide, d’explications précises, ou bien aussi lorsque je n’aurai que trop peu d’estime pour le film en question.

Enfin une semaine bien chargée comme on les aime. Principalement du ciné US, plutôt orienté blockbuster, avec une entorse à la toute fin et un film « identifié » d’auteur, qui a fait l’ouverture du dernier festival de Cannes. Beaucoup d’extra-terrestres quand on y pense, et l’envie aussi de réfléchir sur le cinéma et la vie…

Lundi 4 juin

Men In Black III (réal. Barry Sonnenfeld, 2012)

Retour à cette franchise initiée à la fin des années 90 et qui avait su en son temps mêler science-fiction et humour avec talent, au moins pour son premier épisode, le second se situant quand même en deçà de son prédécesseur. Dans ce troisième opus, on ne change (presque) pas une formule qui gagne et les extraterrestres délirants sont toujours aussi présents ainsi que la relecture sauce « Men In Black » de l’histoire US contemporaine (excellent clin d’œil à Warhol dont le « travestissement » est utilisé en contre-pied de ce que la série aurait pu faire deviner au spectateur). Le film est suffisamment drôle pour que l’on ne s’embête pas devant, la mise en scène est de qualité, sauf quelques plans d’ensemble parfois un peu malheureux en termes de composition de cadre… Le « remplacement » de Tommy Lee Jones par Josh Brolin est une excellente idée de casting car, tout en donnant sa carrure au personnage, Brolin donne vraiment l’impression d’être Jones plus jeune, dans les regards, la voix, et l’attitude. Il vole la vedette à Smith (dont la carrière est un peu sur la pente déclinante depuis quelques années), et dont on peine à ressentir chez lui la même fraicheur et la même propension ludique dans son jeu que dans le premier MIB. Le choix de faire un bond dans le passé ménage quelques effets comiques bien sentis, même si là aussi on peut dire que la fraîcheur et le ton décalé ne sont pas assez présents et l’on aurait souhaité plus de jeu encore sur les différences d’époque ou la vision « MIB » de la fin des années 60.

Cowboys & Aliens (réal. Jon Favreau, 2011)

Dans la plus pure tradition hollywoodienne moderne, quand deux genres sont en pertes de vitesse (la SF et le western), mais que temps à autre un film ou un autre arrive à redonner ses lettres de noblesse au genre déclinant, alors les pontes des studios n’ont pas d’autres idées que de mixer l’un avec l’autre, en espérant en faire quelque chose de commercial. Si l’argument de Cowboys & Aliens prête à sourire, voire à donner envie de découvrir cette fusion étrange, l’on peut dire que l’on est très vite déçu. Les clichés du western appelés par le film sont très rapidement écartés ou trahis sans même que cela soit l’objet d’une déconstruction mythologique intéressante. Idem pour ce qui est des références SF que le film utilise. Finalement le plus navrant est sans doute l’attachement aux bons sentiments que le film véhicule comme objectif final à atteindre. Le méchant patron local (Ford plus monolithique que jamais dans son jeu d’acteur) n’est finalement qu’un ancien militaire traumatisé dont l’incapacité à gérer sa progéniture l’a transformé en un homme méchant et autoritaire. Le fils idiot et imbu de lui-même se rachètera une conduite, après son passage en tant que prisonnier des extraterrestres. Jusqu’aux hors-la-loi qui finissent par « gentiment » ripailler dans le bar du coin, mais savent se tenir quand on le leur demande. Quant au personnage principal (interprété par un Daniel Craig peu inspiré), son amnésie lui donne le droit de racheter à moindre frais sa conduite passée de brigand. Un film décevant, dont la mise en scène mollassonne (voir la ridicule bataille finale autour du vaisseau-mère) ne rattrape même pas un traitement de son sujet que l’on aurait souhaité plus inventif, vu la mixité de ses origines…

Mardi 5 juin

Moonrise Kingdom (réal. Wes Anderson, 2012)

Décidément plus Wes Anderson fait de films et plus je les aime… À chaque fois que je me retrouve devant un de ces films (à l’exception de Fantastic Mr. Fox, que je n’ai toujours pas vu), je me sens transporté dans un ailleurs poétique, une sorte de parenthèse dans l’univers réel, où les choses sont bien ordonnées, même quand elles dérapent. Avec Moonrise Kingdom, Anderson une fois encore organise, ordonne, arrange, déploie sous nos yeux une vision alternative d’un monde, dans lequel les rêves et les désirs peuvent et doivent devenir des réalités. Et même si la réalité finit toujours par rattraper ses protagonistes, leur détermination et leur conviction dans la réussite de leur entreprise leur fait surmonter leurs obstacles ou les contourner ou s’en accommoder… Mais ce que je trouve fascinant chez Anderson, c’est comment la mise en scène vient appuyer ces principes de récit et de narration. Son usage abondant de plans fixes à hauteur des yeux, avec des personnages près de l’écran, mais avec un large champ net derrière eux, les placent au centre du processus de vision du spectateur. Lorsque la caméra bouge c’est souvent à la faveur de lents travellings (ou panoramiques mais c’est plus rare), qui donnent à découvrir comment le monde qu’elle filme s’ordonne. Il arrive qu’une action ait lieu hors-champ mais dans ce cas la caméra finira toujours par revenir sur les conséquences de cette action. Il y a comme un didactisme dans la manière de filmer du cinéaste : chaque plan appelle l’autre et il n’est jamais très compliqué de deviner quel sera le prochain. Cela n’enlève en rien au plaisir du film, car le spectateur ne se trouve pas devant un travail évident, ni devant une leçon de cinéma, mais plutôt devant un apprentissage commun avec la caméra de ce que la narration a à nous raconter. Elle nous y emmène en nous tenant la main. Il n’est pas étonnant que les enfants dans le film écoutent un disque qui apprend comme un orchestre de musique classique se compose et joue. Ce clin d’œil à sa manière de filmer, Anderson ira même jusqu’à en contaminer son compositeur (Alexandre Desplat) : le morceau final sur le générique de fin du film est lui-même commenté par la voix d’un enfant.

Jeudi 7 juin

Sucker Punch (version longue, réal. Zack Snyder, 2011)

Je l’avais choisi comme deuxième film de l’année 2011 et je reste encore aujourd’hui convaincu de ce choix, même après un deuxième regard sur le film. J’avoue avoir un faible pour Snyder, car, mis à part Legend of the Guardians: The Owls of Ga’Hoole que je n’ai pas encore vu, aucun de ses films ne m’a jamais déçu… Outre un scénario qui est bien plus subtil qu’il ne paraît de prime abord, le film bénéficie surtout d’une mise en scène époustouflante de technicité, de maîtrise et de cohérence artistique et esthétique, faisant bien évidemment la part belle aux effets numériques. Les influences nombreuses du jeu vidéo sur la structure de la narration, sur l’ambiance esthétique et sur le jeu de la caméra viennent aussi beaucoup jouer dans mon appréciation du film. Par ailleurs, la musique choisie pour le film colle parfaitement à l’ambiance et il faut voir à ce sujet la version longue, dont le principal ajout est une scène de « comédie musicale » toute particulière. Mais là où Snyder est véritablement inspiré, c’est que sa réalisation n’échappe jamais à l’ennui ou la facilité. Que les plans et les mouvements de caméra soient étonnants lors des scènes d’action, c’est le moins que l’on puisse attendre d’un tel film. Mais que la même inventivité soit à l’œuvre lors de scènes plus conventionnelles de dialogues ou d’exposition du récit est déjà beaucoup moins fréquent. Si je ne devais retenir qu’une seule scène pour illustrer ce point particulier, ce serait certainement celle de la discussion dans la loge entre les filles devant le miroir, dans le premier tiers du film. Le spectateur « absorbé » par la discussion peut ne pas vraiment se rendre compte du jeu particulièrement jouissif de la caméra avec le regard et les corps des actrices via leur reflet dans le miroir : il faut voir la scène pour en comprendre toute l’inventivité visuelle, en parfaite harmonie avec le sujet du film et la discussion entre les protagonistes à ce moment-là !

Vendredi 8 juin

X-Men, le commencement (réal. Matthew Vaughn, 2011)

Si les deux premiers X-Men m’avaient bien plu (Singer avait bien réussi l’adaptation), on ne peut pas en dire autant du troisième opus, réalisé par le médiocre Brett Ratner. J’avoue alors que l’annonce d’une prequel de la trilogie, ne me faisait ni chaud ni froid. Mais après plusieurs avis enthousiastes de mon entourage et la présence derrière la caméra du réalisateur de deux films assez réussis (n’ayant pas vu Stardust), Layer Cake et Kick-Ass, l’envie de découvrir les origines de nos super héros me titillait de plus en plus. Le film est finalement bien plus réussi que ne l’était son prédécesseur chronologique et je dois reconnaître que le choix d’inscrire la trame du film dans l’Histoire est une excellente idée. On retrouve les thématiques chères à la saga sur la tolérance et l’ouverture aux autres, l’acceptation des différences : en ce sens, je pense que l’on oublie trop souvent que la littérature du super héros est avant tout une littérature sur l’Autre et le rapport de chacun à l’Étranger et ce qu’il y a d’Étrange en lui, une littérature de fraternité humaine ; et les films qui s’en font l’adaptation sont bien évidemment aussi pétris de ces idées là. Après la mise en scène est efficace, même si Vaughn paraît moins inspiré qu’il ne l’était dans Kick-Ass, la faute peut-être au carcan d’une saga dont les passages obligés sont parfois évidents en termes de narration. Reste également une sympathique distribution (ah Kevin Bacon en super méchant…), dont le plus éminent des représentants est bien évidemment Fassbender, dont la prestation, comme à son habitude, écrase littéralement James McAvoy, dont l’ interprétation de Charles Xavier n’est pas à la hauteur de son « rival ».

Samedi 9 juin

The Thing (réal. Matthijs van Heijningen Jr., 2011)

L’idée de ne pas vouloir faire un remake, comme c’est la mode depuis quelques années, de ce grand classique de l’horreur qu’est le film de John Carpenter a poussé la production et le jeune réalisateur du film vers l’idée d’une prequel, centrée autour de la base norvégienne, évoquée dans le film de 1982. Bonne idée, si ce n’est que pour ceux qui ont vu le film de Carpenter, la fin en est déjà écrite (mais elle en accord avec celle du film de 1982, donc cela aussi est cohérent). Reste alors à meubler le film avec des événements dont certaines scènes clés devront être présentées au spectateur pour que la « jonction » des récits se fassent sans problème. Si le fan est plus que satisfait sur ce point (le film ne présente quasiment aucun « défaut de continuité »), il faut reconnaître que sur d’autres points, on a quand même passablement à faire à un ersatz médiocre de l’original. Beaucoup de similitudes (tempêtes de neige, lance-flammes à gogo, autopsies peu ragoutantes et une Chose bien plus entêtée et visible que précédemment), des différences un peu farfelues (toute la fin dans le vaisseau de la Chose) et une mise en scène pas toujours très inspirée. Le casting n’a pas la qualité de celui de 1982 et la protagoniste centrale du film n’a clairement pas le panache d’un Kurt Russell. Finalement, la seule « bonne » idée du film reste celle qui consiste à découvrir ceux des personnages qui ne sont pas contaminés, en vérifiant l’état de leur dentition, comme contrepoint du « test sanguin » du film de Carpenter. Amis de la brosse à dents régulièrement appliquée et de l’héritage génétique dentaire de qualité, méfiez-vous, vous n’êtes peut-être pas qui vous prétendez être… !

Dimanche 10 juin

Le Caïman (réal. Nanni Moretti, 2006)

Finalement, quand je fais le compte, je n’ai pas vu beaucoup de films de Moretti. Cela faisait un petit moment que je voulais voir Le Caïman, que l’on m’avait « vendu » comme un film sur Berlusconi, et avec Moretti, je m’attendais à quelque chose de politiquement très « musclé ». On ne peut pas dire que je fus servi à la hauteur de mes espérances. Non pas que le film ne m’ait pas plu, mais je n’irai pas jusqu’à dire que le film parle vraiment de Berlusconi. Il parle plutôt de l’Italie sous Berlusconi, d’un producteur qui veut faire un film sur Berlusconi, de ces italiens qui ont voté ou pas pour lui, mais qui se rendent bien compte (à l’époque du film en 2006) au bout de 30 ans, que leur pays a sensiblement glissé dans la ploutocratie. En réalité, le film parle avant tout de cinéma et du métier de producteur : le petit, celui qui se bat contre vents et marées, au milieu de ses déboires personnels, pour faire les films qui lui plaisent, ceux pour lesquels il se réveille en pleine nuit et en continue inlassablement la lecture du scénario. C’est au travers de ce prisme du producteur qui mêle vie privée et vie professionnelle, que Moretti montre l’Italie de Berlusconi et de l’influence de cette évolution sur la vie des gens. Alors que pour certains la société s’ouvre et se développe, d’autres s’enferment dans l’argent, le vice, la démesure ou la bêtise crasse et ne respecte même plus leurs engagements quand il est question d’argent (l’attitude du « grand comédien » censé jouer le rôle de Berlusconi est à ce titre éloquente). Finalement, le héros, comme il produisait des films de série B ou Z avec tout son cœur, va se mettre à produire un film politique, voué aux gémonies par l’establishment audiovisuel financier italien, avec toute l’énergie qu’il peut déployer, car comme disait une très grande comédienne française : « le cinéma, c’est la vie » ! Et Moretti d’en donner une leçon plus que réussie, d’autant qu’il choisit « d’enfermer » son récit dans une boucle de film : au début, une imitation de nanar italien et à la fin, un brûlot politique engagé ; entre ces deux moments de cinéma, la vie tout simplement…

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De la rédemption d’un film

Posted by Axel de Velp sur 14 mai 2010

Peut-être suis-je indécis, mais il m’est difficile de cataloguer négativement de but en blanc un film, une série ou tout autre objet audiovisuel.
Condamner une œuvre, parce qu’à la première vision elle me fut « relativement » insupportable, m’a toujours semblé être une injustice. Bien entendu, cela m’arrive, mais alors je m’en fais toujours un peu le reproche. Et de temps à autre, je m’accroche à cette idée d’injustice et je cherche à savoir ce qui se cache derrière…

Non pas que je n’établisse pas de hiérarchie dans l’intérêt que je trouve aux œuvres qui s’offrent à moi (hiérarchie construite sur des critères « objectifs et/ou subjectifs »), mais il me semble qu’au-delà de ça, il y a ma volonté de comprendre ma vision de tel ou tel objet « cinématographique ».
Je ne cherche pas à me justifier d’avoir vu tel film ou d’avoir apprécié tel « navet », mais juste à comprendre au-delà du simple affect, parfois d’ordre nostalgique, pourquoi par moment je n’arrive pas à dire que du mal d’une œuvre…

Comprendre mon rapport aux choses qui me déçoivent, c’est avant tout comprendre ce que j’attendais d’elles. C’est peut-être redéfinir ma propre échelle de valeurs ou à tout le moins la questionner, la remettre en question.
La plupart du temps, cela ne produit que peu de « déplacements » de cette échelle. Alors il ne me reste que ce sentiment confus de la déception face à la médiocrité évidente d’une œuvre dans sa globalité. Sentiment confus, car mon incapacité à condamner cette œuvre reste malgré tout là.

Je dois donc m’interroger sur les raisons de cette confusion, au sein même de l’œuvre qui la produit.
Dans ces films, je me rends compte qu’une scène, le jeu d’un comédien, un cadrage, un choix de mise en scène, une lumière, un enchaînement particulier dans le montage, à un moment donné (unique ou répété) m’a séduit.
Il y a dans ces instants de grâce quelque chose qui relève du « Cinéma », quelque chose qui signifie que derrière la médiocrité globale qui se dégage de cette œuvre, il y a eu, ne serait-ce que de manière fugace, une envie, une idée de « Cinéma ».

Un exemple me vient à l’esprit. Dans le récent et très oubliable Clones (The Surrogates) de Jonathan Mostow avec Bruce Willis, le travail sur la plastique de l’acteur est cela dit très appréciable. Le scénario suppose que la quasi totalité des personnages ont des corps diaphanes ou outrageusement bronzés, en tout cas sans aucune aspérité, de par leur nature de clones. A partir du moment où le personnage de Willis décide d’évoluer de lui-même dans le monde environnant et de ne plus se servir de son clone, s’engage alors un processus de dégradation du corps de l’acteur pour exprimer sa réalité, sa vitalité au milieu des erzats de vie qui l’entourent. Ce qui est intéressant c’est que ce travail ne se contente pas de fonctionner au sein même du film, mais il en appelle à une intertextualité entre les films où joue Bruce Willis. On assiste alors à un retour aux heures de gloire de l’acteur, dans la série des Die Hard pour ne citer que ceux là, où chaque parcelle de son corps était sujette à des malversations physiques et où chaque coupure, croute de sang séché, cicatrices transmettaient la vitalité d’un corps en action. Ainsi le spectateur de Clones devant la progressive stigmatisation du corps de l’acteur, non seulement fait consciemment le chemin de comprendre sa vitalité, mais en plus il est probable (au moins inconsciemment) qu’il l’associe à toute une imagerie que la carrière de l’acteur a véhiculé. C’est ce que j’appelle un moment de « Cinéma »…

Alors le film trouve à mes yeux sa rédemption.
Peut-être ne le reverrai-je jamais ? Peut-être que sa trop grande médiocrité m’en empêchera… Mais je garderai toujours une tendresse pour cet (ces) instant(s).

Parfois, très rarement je dois l’avouer, cette rédemption se transforme progressivement en devoir de réhabilitation.
Il en fut ainsi pour Le Village de M. Night Shyamalan, dont une scène me fit douter de tout le discours critique négatif que le film avait pu récolter lors de sa sortie et me poussa à creuser cette étrange sensation selon laquelle ce film n’était pas celui que certains dépeignaient. Mais cette réhabilitation fera l’objet d’un prochain post, donc je me contenterai seulement d’attiser ainsi votre curiosité…

Il en va ainsi de la rédemption d’un film : je cherche quasi systématiquement à la découvrir (mais pas à la trouver, car a priori ce n’est pas la même démarche…).
Il arrivera donc que je vous étonne parce que je tenterai de « sauver » un film ou du moins d’en racheter quelque(s) passage(s)…
Mais qui sait, peut-être vous aussi, y trouverez vous un peu de « Cinéma »…?

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