"Not a Pax Americana" – réflexions cinéphiles…

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Trois semaines de films – du 30 juillet au 20 août 2012

Posted by Axel de Velp sur 3 octobre 2012

Les vacances et un déménagement auront eu raison de la régularité des publications du blog tout au long de l’été et de la rentrée… Mais elles reviennent avec ce premier récapitulatif et un nombre non négligeable de films variés et tout aussi plaisants les uns que les autres. Bonne lecture et à très bientôt pour des mises à jour plus fréquentes !

Jeudi 2 août

Gangsters (réal. Olivier Marchal, 2002)

Premier film de cet ancien flic, dont j’avais récemment visionné le dernier film Les Lyonnais, Gangsters reste sans conteste son meilleur film jusqu’à aujourd’hui. Intrigue très bien ficelée, écriture très aboutie, tant dans sa dimension naturaliste que dans ses effets de dialogues, qui rappellent certains grands moments du dialogue à la « française » (Audiard, Blier, Sautet…), Gangsters marque également par son casting très efficace et très crédible. Le tout est servi par une mise en scène classique mais dont la qualité n’a rien à envier à des réalisateurs plus chevronnés que ce débutant d’alors. Jusqu’à la bande originale du film qui colle parfaitement à l’ambiance, le film est une petite perle du polar français.

Vendredi 3 août

La Part des anges (réal. Ken Loach, 2012)

Il ne faut pas se fier à l’affiche française du film qui dessert grandement le propos annoncé. Le dernier film de Ken Loach est une comédie aux accents sociaux réalistes (comme souvent chez lui) réussie et enjouée. Les acteurs donnent le ton, particulièrement ceux qui ont des « gueules », et l’on ne peut pas s’empêcher de se prendre de sympathie pour ces égarés de la société, à qui l’on donne comme une dernière chance. Certains sauront la saisir au vol, d’autres non. Qu’importe, Loach nous donne à voir une tranche de vie qui donne envie de croire encore en elle et en l’espoir que chacun porte.

Samedi 4 août

The Player (réal. Robert Altman, 1992)

Toujours aussi retors et critique vis-à-vis d’Hollywood, même 20 ans après sa sortie, le film d’Altman est un condensé de ses thèmes et figures de style. On y retrouve le jeu à la fois posé et fébrile des acteurs, le tout mélangé dans une même scène, les dialogues qui vont plus vite que l’intrigue, le jeu sur les faux-semblants, la critique de la bourgeoisie américaine, etc. Construction en abyme d’un scénario qui fait la boucle sur lui-même, dans ses enjeux moraux et stylistiques, The Player est l’archétype du film d’Altman intelligent et subversif, mais jamais donneur de leçon, bien au contraire. Difficile pour le spectateur de ne pas succomber au charme « maléfique » du personnage de Tim Robbins, ou bien de ne pas avoir à l’inverse d’empathie pour celui de sa petite amie qu’il abandonnera, après l’avoir scrupuleusement humiliée. Altman ne dit rien d’autre dans ce film finalement que quelque soit le milieu dans lequel les hommes évoluent, qu’il soit celui du rêve ou du mal, ils sont tous les mêmes : capable du pire comme du bien, mais toujours dans leur intérêt et par pure égotisme.

Lundi 6 août

Les Tontons flingueurs (réal. Georges Lautner, 1963)

Que dire sur ce chef d’œuvre du cinéma comique français qui n’ait pas déjà été dit maintes et maintes fois ? Que le duo Lautner Audiard y est certainement à son firmament ? Que le casting Blier, Ventura et consorts y démontrent toute la force comique de leur jeu ? Les Tontons flingueurs, appartient à cette catégorie de films dont la légende semble dépasser leur vérité (parce qu’un nombre conséquent de scènes et de lignes de dialogue sont gravées dans la mémoire collective populaire), mais qui en réalité se dévoilent à nouveau à nous avec toute leur force et leur splendeur, lorsqu’on reprend le temps de les regarder en entier.

Mardi 7 août

Monsieur Hire (réal. Patrice Leconte, 1989)

Ce film de Leconte aura eu le mérite de faire comprendre toute la gravité possible d’un acteur comme Michel Blanc. Comme d’habitude chez le cinéaste, la concision de l’écriture et le dépouillement de sa mise en scène, marié à une photo toujours très travaillée, ont le don de marier les antagonismes au service de l’intrigue et de l’ambiance. On y retrouve son sens de l’érotisme si particulier et la gravité de situations où l’effet comique n’est jamais bien loin, mais pas vraiment à portée de main ou de rire, devrais-je dire… Monsieur Hire, c’est un voyage dans l’esprit et la vision du monde d’un homme reclus qui croit en l’amour qu’il n’a jamais vraiment connu : une ode aux amoureux transis mais éconduits qui feraient tout pour celle qu’ils aiment !

Dimanche 12 août

Les 12 travaux d’Astérix (réal. René Goscinny, Henri Gruel, Albert Uderzo & Pierre Watrin, 1976)

C’est peut-être parce que le dessin animé n’est pas vraiment adapté d’une des bandes dessinées originales, qu’il est à mon sens l’un des plus réussis de la série des Astérix et Obélix. Successions de scènes hilarantes (l’île aux plaisirs, le « psy » égyptien, le restaurateur belge, et bien entendu la maison des fous), le film nous emmène dans un délire où anachronismes et bons jeux de mots se côtoient avec réussite tout en misant sur le burlesque et le loufoque. Servie par une animation correcte, mais sans grande qualité, le film divertit à l’envie petits et grands.

Mercredi 15 août

Le Voyage de Chihiro (réal. MIYAZAKI Hayao, 2001)

Certainement l’un des meilleurs films de Miyazaki et surtout l’un des derniers qui soient vraiment réussis (mise à part peut-être Ponyo sur la falaise), Chihiro est indéniablement un aboutissement dans les thématiques chères au cinéaste japonais. Mêlant traditions nippones, croyances ancestrales, modernisme des relations humaines à un souci de discours environnemental, comme dans presque tous ses films, Chihiro emmène le spectateur dans l’accomplissement de la maturation d’une petite fille à celui d’une jeune adulte. Proposant rien moins qu’un film didactique et d’apprentissage s’il en est, Miyazaki sait aussi nous faire rêver et émerveiller, tant par l’étendue et la richesse intelligible de l’univers qu’il propose que par son foisonnement créatif. On regrettera justement dans ces films ultérieurs un certain appauvrissement tant au niveau narratif qu’au niveau purement visuel (surtout dans Le Château ambulant). Le film est également supporté par une animation 2D sans faille, d’une très grande qualité et d’un rythme parfois époustouflant, à mille lieux de tout ce qui se faisait dans le reste du monde à la même époque (à l’exception de quelques autres films nippons d’animation, bien entendu).

Dimanche 19 août

What’s Eating Gilbert Grape? (réal. Lasse Hallström, 1993)

Deuxième film américain du cinéaste suédois, Gilbert Grape est une histoire attachante, sur un scénario humain comme souvent les cinéastes émigrés à Hollywood savent en produire. Film à comédien avant tout, il est l’occasion pour deux géants du ciné US contemporain de se rencontrer. D’abord Johnny Depp, dont la carrière avait déjà décollé mais où dans ce film il confirme toute la force et l’étendue de son jeu, éloigné de son « mentor » récent, Tim Burton. Ensuite, et surtout Leonardo DiCaprio qui signe ici son premier vrai grand rôle, en même temps que Blessures secrètes (de Michael Caton-Jones), après de multiples apparitions dans des séries télévisées et des films de série B (dont Critters 3 !!!). Il faut saluer la capacité d’Hallström à donner à chaque comédien sa place justifiée dans le film sans que jamais l’un n’empiète sur l’autre, à tel point que l’écriture et la direction d’acteurs sont en parfaite symbiose et que la relation qui lie Gilbert à son frère handicapé est parfaitement retranscrite à l’écran. Le reste du casting est de très bon niveau également et l’on ne peut s’empêcher de sourire aux apparitions et performances diverses de Mary Steenburgen Kevin Tighe, John C. Reilly ou encore Crispin Glover (que j’avais aperçu récemment dans The Player).

Red Dragon (réal. Brett Ratner, 2002)

Deuxième film adapté du premier roman de la trilogie de Thomas Harris, Red Dragon est bien loin de la première adaptation signée Michael Mann, Manhunter (bêtement traduit en français par Le Sixième Sens). A l’évidence, Brett Ratner n’a pas le talent de Mann et la direction d’acteurs est particulièrement ampoulée (alors que le film est quand même servi par des comédiens de renom, dont Edward Norton et Anthony Hopkins pour ne citer que ceux là), à l’exception de Ralph Fiennes qui surpasserait presque la prestation de Tom Noonan, excellent tueur en série du premier film. Qui plus-est, tout cela est accompagné d’une mise en scène fade et sans point de vue qui empêche toute envie de se laisser happer par le film. Quelques rares scènes viennent égayer la vision d’ensemble, mais on a quand même bien l’impression d’un remake à gros sous raté, qui ne cherche qu’à capitaliser sur le grand succès critique et public que fut en son temps, Le Silence des agneaux.

Lundi 20 août

Europa (réal. Lars von Trier, 1991)

Je n’ai jamais été un grand fan du cinéaste danois. Exit pour moi Les Idiots, Dancer in the Dark ou Dogville, mais toute la première partie de la carrière du réalisateur a toujours su me parler. Qu’il s’agisse de Breaking the Waves, Element of Crime ou Europa, je me sens beaucoup plus en phase avec son cinéma de cette époque qu’avec celui plus récent qui a fait de lui la coqueluche des festivals et des revues de cinéma. Europa c’est avant tout une expérience sensorielle, l’image et le son ayant une qualité quasi hypnotique dans le film. Les passages en couleur au milieu du noir et blanc, les chevauchements sonores, les dialogues multilingues, tout concourt à perdre le spectateur dans une démesure, dont le propos du film se fait l’écho. Réflexion sur l’Europe après la Seconde Guerre Mondiale, le film de Lars von Trier brasse les culpabilités allemandes (mais pas que…) autant que les sentiments de revanche, au milieu de la désolation et de la ruine. L’image du train comme liant d’un monde décomposé ou plutôt en recomposition renvoie à une imagerie très romantique, alors même que le film ne peut s’empêcher de renvoyer à une esthétique assez froide et déshumanisée… Europa marque surtout par l’ampleur de son discours et de son sujet et l’ambition (parfois un peu too much) de poser un regard « artistique » sur l’une des périodes les plus sombres de notre récente Histoire.

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Une semaine de films – du 4 au 10 juin 2012

Posted by Axel de Velp sur 14 juin 2012

Je vous propose, à l’occasion, un récapitulatif des films que j’ai visionnés sur une semaine et de vous en donner une lecture, à la fois critique, partiale et plus ou moins succincte, selon ce que les films m’inspireront au fil de l’écriture de ces billets, que je souhaite les plus spontanés possible. J’espère parfois vous donner envie ou vous dégoûter, selon chacun, chacune et chaque film…
Dans la mesure du possible, je m’abstiendrais de dévoiler trop des films, sauf quand j’estimerai qu’ils font partie du patrimoine cinéphilique obligatoire (j’exagère bien entendu), ou bien lorsque mon propos ne pourrait se passer, pour être limpide, d’explications précises, ou bien aussi lorsque je n’aurai que trop peu d’estime pour le film en question.

Enfin une semaine bien chargée comme on les aime. Principalement du ciné US, plutôt orienté blockbuster, avec une entorse à la toute fin et un film « identifié » d’auteur, qui a fait l’ouverture du dernier festival de Cannes. Beaucoup d’extra-terrestres quand on y pense, et l’envie aussi de réfléchir sur le cinéma et la vie…

Lundi 4 juin

Men In Black III (réal. Barry Sonnenfeld, 2012)

Retour à cette franchise initiée à la fin des années 90 et qui avait su en son temps mêler science-fiction et humour avec talent, au moins pour son premier épisode, le second se situant quand même en deçà de son prédécesseur. Dans ce troisième opus, on ne change (presque) pas une formule qui gagne et les extraterrestres délirants sont toujours aussi présents ainsi que la relecture sauce « Men In Black » de l’histoire US contemporaine (excellent clin d’œil à Warhol dont le « travestissement » est utilisé en contre-pied de ce que la série aurait pu faire deviner au spectateur). Le film est suffisamment drôle pour que l’on ne s’embête pas devant, la mise en scène est de qualité, sauf quelques plans d’ensemble parfois un peu malheureux en termes de composition de cadre… Le « remplacement » de Tommy Lee Jones par Josh Brolin est une excellente idée de casting car, tout en donnant sa carrure au personnage, Brolin donne vraiment l’impression d’être Jones plus jeune, dans les regards, la voix, et l’attitude. Il vole la vedette à Smith (dont la carrière est un peu sur la pente déclinante depuis quelques années), et dont on peine à ressentir chez lui la même fraicheur et la même propension ludique dans son jeu que dans le premier MIB. Le choix de faire un bond dans le passé ménage quelques effets comiques bien sentis, même si là aussi on peut dire que la fraîcheur et le ton décalé ne sont pas assez présents et l’on aurait souhaité plus de jeu encore sur les différences d’époque ou la vision « MIB » de la fin des années 60.

Cowboys & Aliens (réal. Jon Favreau, 2011)

Dans la plus pure tradition hollywoodienne moderne, quand deux genres sont en pertes de vitesse (la SF et le western), mais que temps à autre un film ou un autre arrive à redonner ses lettres de noblesse au genre déclinant, alors les pontes des studios n’ont pas d’autres idées que de mixer l’un avec l’autre, en espérant en faire quelque chose de commercial. Si l’argument de Cowboys & Aliens prête à sourire, voire à donner envie de découvrir cette fusion étrange, l’on peut dire que l’on est très vite déçu. Les clichés du western appelés par le film sont très rapidement écartés ou trahis sans même que cela soit l’objet d’une déconstruction mythologique intéressante. Idem pour ce qui est des références SF que le film utilise. Finalement le plus navrant est sans doute l’attachement aux bons sentiments que le film véhicule comme objectif final à atteindre. Le méchant patron local (Ford plus monolithique que jamais dans son jeu d’acteur) n’est finalement qu’un ancien militaire traumatisé dont l’incapacité à gérer sa progéniture l’a transformé en un homme méchant et autoritaire. Le fils idiot et imbu de lui-même se rachètera une conduite, après son passage en tant que prisonnier des extraterrestres. Jusqu’aux hors-la-loi qui finissent par « gentiment » ripailler dans le bar du coin, mais savent se tenir quand on le leur demande. Quant au personnage principal (interprété par un Daniel Craig peu inspiré), son amnésie lui donne le droit de racheter à moindre frais sa conduite passée de brigand. Un film décevant, dont la mise en scène mollassonne (voir la ridicule bataille finale autour du vaisseau-mère) ne rattrape même pas un traitement de son sujet que l’on aurait souhaité plus inventif, vu la mixité de ses origines…

Mardi 5 juin

Moonrise Kingdom (réal. Wes Anderson, 2012)

Décidément plus Wes Anderson fait de films et plus je les aime… À chaque fois que je me retrouve devant un de ces films (à l’exception de Fantastic Mr. Fox, que je n’ai toujours pas vu), je me sens transporté dans un ailleurs poétique, une sorte de parenthèse dans l’univers réel, où les choses sont bien ordonnées, même quand elles dérapent. Avec Moonrise Kingdom, Anderson une fois encore organise, ordonne, arrange, déploie sous nos yeux une vision alternative d’un monde, dans lequel les rêves et les désirs peuvent et doivent devenir des réalités. Et même si la réalité finit toujours par rattraper ses protagonistes, leur détermination et leur conviction dans la réussite de leur entreprise leur fait surmonter leurs obstacles ou les contourner ou s’en accommoder… Mais ce que je trouve fascinant chez Anderson, c’est comment la mise en scène vient appuyer ces principes de récit et de narration. Son usage abondant de plans fixes à hauteur des yeux, avec des personnages près de l’écran, mais avec un large champ net derrière eux, les placent au centre du processus de vision du spectateur. Lorsque la caméra bouge c’est souvent à la faveur de lents travellings (ou panoramiques mais c’est plus rare), qui donnent à découvrir comment le monde qu’elle filme s’ordonne. Il arrive qu’une action ait lieu hors-champ mais dans ce cas la caméra finira toujours par revenir sur les conséquences de cette action. Il y a comme un didactisme dans la manière de filmer du cinéaste : chaque plan appelle l’autre et il n’est jamais très compliqué de deviner quel sera le prochain. Cela n’enlève en rien au plaisir du film, car le spectateur ne se trouve pas devant un travail évident, ni devant une leçon de cinéma, mais plutôt devant un apprentissage commun avec la caméra de ce que la narration a à nous raconter. Elle nous y emmène en nous tenant la main. Il n’est pas étonnant que les enfants dans le film écoutent un disque qui apprend comme un orchestre de musique classique se compose et joue. Ce clin d’œil à sa manière de filmer, Anderson ira même jusqu’à en contaminer son compositeur (Alexandre Desplat) : le morceau final sur le générique de fin du film est lui-même commenté par la voix d’un enfant.

Jeudi 7 juin

Sucker Punch (version longue, réal. Zack Snyder, 2011)

Je l’avais choisi comme deuxième film de l’année 2011 et je reste encore aujourd’hui convaincu de ce choix, même après un deuxième regard sur le film. J’avoue avoir un faible pour Snyder, car, mis à part Legend of the Guardians: The Owls of Ga’Hoole que je n’ai pas encore vu, aucun de ses films ne m’a jamais déçu… Outre un scénario qui est bien plus subtil qu’il ne paraît de prime abord, le film bénéficie surtout d’une mise en scène époustouflante de technicité, de maîtrise et de cohérence artistique et esthétique, faisant bien évidemment la part belle aux effets numériques. Les influences nombreuses du jeu vidéo sur la structure de la narration, sur l’ambiance esthétique et sur le jeu de la caméra viennent aussi beaucoup jouer dans mon appréciation du film. Par ailleurs, la musique choisie pour le film colle parfaitement à l’ambiance et il faut voir à ce sujet la version longue, dont le principal ajout est une scène de « comédie musicale » toute particulière. Mais là où Snyder est véritablement inspiré, c’est que sa réalisation n’échappe jamais à l’ennui ou la facilité. Que les plans et les mouvements de caméra soient étonnants lors des scènes d’action, c’est le moins que l’on puisse attendre d’un tel film. Mais que la même inventivité soit à l’œuvre lors de scènes plus conventionnelles de dialogues ou d’exposition du récit est déjà beaucoup moins fréquent. Si je ne devais retenir qu’une seule scène pour illustrer ce point particulier, ce serait certainement celle de la discussion dans la loge entre les filles devant le miroir, dans le premier tiers du film. Le spectateur « absorbé » par la discussion peut ne pas vraiment se rendre compte du jeu particulièrement jouissif de la caméra avec le regard et les corps des actrices via leur reflet dans le miroir : il faut voir la scène pour en comprendre toute l’inventivité visuelle, en parfaite harmonie avec le sujet du film et la discussion entre les protagonistes à ce moment-là !

Vendredi 8 juin

X-Men, le commencement (réal. Matthew Vaughn, 2011)

Si les deux premiers X-Men m’avaient bien plu (Singer avait bien réussi l’adaptation), on ne peut pas en dire autant du troisième opus, réalisé par le médiocre Brett Ratner. J’avoue alors que l’annonce d’une prequel de la trilogie, ne me faisait ni chaud ni froid. Mais après plusieurs avis enthousiastes de mon entourage et la présence derrière la caméra du réalisateur de deux films assez réussis (n’ayant pas vu Stardust), Layer Cake et Kick-Ass, l’envie de découvrir les origines de nos super héros me titillait de plus en plus. Le film est finalement bien plus réussi que ne l’était son prédécesseur chronologique et je dois reconnaître que le choix d’inscrire la trame du film dans l’Histoire est une excellente idée. On retrouve les thématiques chères à la saga sur la tolérance et l’ouverture aux autres, l’acceptation des différences : en ce sens, je pense que l’on oublie trop souvent que la littérature du super héros est avant tout une littérature sur l’Autre et le rapport de chacun à l’Étranger et ce qu’il y a d’Étrange en lui, une littérature de fraternité humaine ; et les films qui s’en font l’adaptation sont bien évidemment aussi pétris de ces idées là. Après la mise en scène est efficace, même si Vaughn paraît moins inspiré qu’il ne l’était dans Kick-Ass, la faute peut-être au carcan d’une saga dont les passages obligés sont parfois évidents en termes de narration. Reste également une sympathique distribution (ah Kevin Bacon en super méchant…), dont le plus éminent des représentants est bien évidemment Fassbender, dont la prestation, comme à son habitude, écrase littéralement James McAvoy, dont l’ interprétation de Charles Xavier n’est pas à la hauteur de son « rival ».

Samedi 9 juin

The Thing (réal. Matthijs van Heijningen Jr., 2011)

L’idée de ne pas vouloir faire un remake, comme c’est la mode depuis quelques années, de ce grand classique de l’horreur qu’est le film de John Carpenter a poussé la production et le jeune réalisateur du film vers l’idée d’une prequel, centrée autour de la base norvégienne, évoquée dans le film de 1982. Bonne idée, si ce n’est que pour ceux qui ont vu le film de Carpenter, la fin en est déjà écrite (mais elle en accord avec celle du film de 1982, donc cela aussi est cohérent). Reste alors à meubler le film avec des événements dont certaines scènes clés devront être présentées au spectateur pour que la « jonction » des récits se fassent sans problème. Si le fan est plus que satisfait sur ce point (le film ne présente quasiment aucun « défaut de continuité »), il faut reconnaître que sur d’autres points, on a quand même passablement à faire à un ersatz médiocre de l’original. Beaucoup de similitudes (tempêtes de neige, lance-flammes à gogo, autopsies peu ragoutantes et une Chose bien plus entêtée et visible que précédemment), des différences un peu farfelues (toute la fin dans le vaisseau de la Chose) et une mise en scène pas toujours très inspirée. Le casting n’a pas la qualité de celui de 1982 et la protagoniste centrale du film n’a clairement pas le panache d’un Kurt Russell. Finalement, la seule « bonne » idée du film reste celle qui consiste à découvrir ceux des personnages qui ne sont pas contaminés, en vérifiant l’état de leur dentition, comme contrepoint du « test sanguin » du film de Carpenter. Amis de la brosse à dents régulièrement appliquée et de l’héritage génétique dentaire de qualité, méfiez-vous, vous n’êtes peut-être pas qui vous prétendez être… !

Dimanche 10 juin

Le Caïman (réal. Nanni Moretti, 2006)

Finalement, quand je fais le compte, je n’ai pas vu beaucoup de films de Moretti. Cela faisait un petit moment que je voulais voir Le Caïman, que l’on m’avait « vendu » comme un film sur Berlusconi, et avec Moretti, je m’attendais à quelque chose de politiquement très « musclé ». On ne peut pas dire que je fus servi à la hauteur de mes espérances. Non pas que le film ne m’ait pas plu, mais je n’irai pas jusqu’à dire que le film parle vraiment de Berlusconi. Il parle plutôt de l’Italie sous Berlusconi, d’un producteur qui veut faire un film sur Berlusconi, de ces italiens qui ont voté ou pas pour lui, mais qui se rendent bien compte (à l’époque du film en 2006) au bout de 30 ans, que leur pays a sensiblement glissé dans la ploutocratie. En réalité, le film parle avant tout de cinéma et du métier de producteur : le petit, celui qui se bat contre vents et marées, au milieu de ses déboires personnels, pour faire les films qui lui plaisent, ceux pour lesquels il se réveille en pleine nuit et en continue inlassablement la lecture du scénario. C’est au travers de ce prisme du producteur qui mêle vie privée et vie professionnelle, que Moretti montre l’Italie de Berlusconi et de l’influence de cette évolution sur la vie des gens. Alors que pour certains la société s’ouvre et se développe, d’autres s’enferment dans l’argent, le vice, la démesure ou la bêtise crasse et ne respecte même plus leurs engagements quand il est question d’argent (l’attitude du « grand comédien » censé jouer le rôle de Berlusconi est à ce titre éloquente). Finalement, le héros, comme il produisait des films de série B ou Z avec tout son cœur, va se mettre à produire un film politique, voué aux gémonies par l’establishment audiovisuel financier italien, avec toute l’énergie qu’il peut déployer, car comme disait une très grande comédienne française : « le cinéma, c’est la vie » ! Et Moretti d’en donner une leçon plus que réussie, d’autant qu’il choisit « d’enfermer » son récit dans une boucle de film : au début, une imitation de nanar italien et à la fin, un brûlot politique engagé ; entre ces deux moments de cinéma, la vie tout simplement…

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Une semaine de films – du 23 au 29 avril 2012

Posted by Axel de Velp sur 30 avril 2012

Je vous propose, à l’occasion, un récapitulatif des films que j’ai visionnés sur une semaine et de vous en donner une lecture, à la fois critique, partiale et plus ou moins succincte, selon ce que les films m’inspireront au fil de l’écriture de ces billets, que je souhaite les plus spontanés possible. J’espère parfois vous donner envie ou vous dégoûter, selon chacun, chacune et chaque film…
Dans la mesure du possible, je m’abstiendrais de dévoiler trop des films, sauf quand j’estimerai qu’ils font partie du patrimoine cinéphilique obligatoire (j’exagère bien entendu), ou bien lorsque mon propos ne pourrait se passer, pour être limpide, d’explications précises, ou bien aussi lorsque je n’aurai que trop peu d’estime pour le film en question.

Enfin une semaine plus fournie que les précédentes, avec 5 films et un programme de courts métrages, dont de l’excellent (25th Hour, Avengers), du très bon (Love, Le Rêve de Galileo) et du moyen mais divertissant quand même (Running Wild et Rain Fall). Une « sélection » plus orientée atouts visuels mais qui ne sait pas oublier pour autant des sujets sérieux, preuve, s’il y en avait besoin, que le cinéma sait toujours autant nous divertir avec qualité que nous faire réfléchir avec intelligence.

Lundi 23 avril

Love (réal. William Eubank, 2011)

Décidément les petits films de SF indépendants ont le vent en poupe depuis quelques années. Après un Moon qui avait su surprendre son public, voici venu Love. Réalisé par un jeune cinéaste, à la faveur d’un projet artistique initié par le groupe de musique Angels & Airwaves (dont la bande originale du film n’est rien d’autre qu’un de leurs albums), Love narre la solitude profonde qui habite un homme isolé dans la station spatiale internationale, après que l’humanité est vraisemblablement succombé à un conflit nucléaire, bien que cela ne soit que supposition car peu d’éléments directs permettent de le corroborer, le choix de la mise en scène étant d’être exclusivement focalisée sur le personnage de l’astronaute (à l’exception des plans d’ouverture se déroulant pendant la Guerre de Sécession américaine). Porté par un comédien excellent et une réalisation particulièrement réussie (la photo est très travaillée et magnifie avec esthétisme l’âpreté du décor, les mouvements de caméra viennent contrebalancer avec intelligence l’absence d’apesanteur qu’une approche réaliste aurait imposée), le film propose une introspection personnelle, dont l’influence n’est pas sans rappeler un certain 2001, l’Odyssée de l’espace. Difficile, près de 50 ans après le chef d’œuvre de Kubrick, de ne pas sentir son influence lorsqu’il s’agit de mêler science-fiction et discours philosophique… Cependant Love s’en tire avec les honneurs et permet au spectateur de s’évader, de méditer sur la valeur de la vie et la solitude in fine de tout déroulement humain. Même la fin, par sa dimension « Spielbergienne », vient ajouter au film une couche de réflexion supplémentaire sur l’héritage moral et mémoriel de chaque vie humaine, comme en écho aux scènes d’ouverture autour de la Guerre civile US et de son témoin particulier que le film place en filigrane du récit principal.

Mardi 24 avril

Le Rêve de Galileo (programme de CM, 2011)

Comprenant 5 films (A Sunny Day de Gil Alkabetz, Allemagne – Galileo de Ghislain Avrillon, France – La P’tite Ourse de Fabienne Collet, France – Un tricot pour la lune de Gil Alkabetz, Allemagne – Margarita de Alex Cervantes, Espagne), ce sympathique programme de courts métrages destinés aux plus petits (dès 3 ans) comme aux plus grands fait la part belle aux histoires qui font rêver. Des velléités de se prendre pour Icare dans Galileo, au désir de capturer une étoile (Margarita) ou bien de tricoter un pull en laine pour la lune changeante et capricieuse (Un tricot pour la lune), en passant par la recherche du soleil de plaire aux hommes (A Sunny Day) ou le rêve d’une petite fille Inuit d’avoir un grand-père ours blanc (La P’tite Ourse), les films entraînent les spectateurs dans un foisonnement de rêveries et d’imaginaires : parfois mélancoliques, parfois comiques, jamais complètement utopiques, ces rêves ne sont pas forcément à portée de main, mais ils sont de la trempe de ceux qu’il faut avoir pour progresser dans le monde. Jolie leçon de choses bercée par des dessins et des styles d’animation variés, tous très réussis, y compris les essais de rendus en 3D (il n’est bien sûr ici pas question de relief mais bien de type de rendu d’image), toujours incertain dans les courts métrages. Ma préférence va à A Sunny Day et Un tricot pour la lune, dont l’humour ravageur a su conquérir les enfants dans la salle et une « mention spéciale » à La P’tite Ourse dont le caractère éminemment poétique n’avait d’égal que sa réalisation particulièrement réussie et en totale adéquation avec son sujet.

Mercredi 25 avril

Avengers (réal. Joss Whedon, 2012)

Sans compter sur la présence de Joss Whedon aux commandes (réalisation et scénario du film), je dois avouer que The Avengers me faisait un peu peur : une agglomération de super-héros peut entraîner de bon ménage (les deux premiers X-Men), mais aussi quelques ratés (le 3ème X-Men pour ne citer que lui). En fait tout dépend de qui est à l’œuvre derrière la caméra. Et le papa de Buffy a su répondre avec brio au défi soulevé par cette réunion de Thor, Iron Man, The Hulk, Captain America, Black Widow et Hawkeye. S’appuyant sur ses talents d’écrivains qui ne sont plus à prouver (et servi au préalable par des comics d’une suffisante variété et qualité pour bien s’en inspirer), Whedon sait donner à chacun de ses protagonistes la mesure qui lui est nécessaire, sans jamais négliger leur importance respective. Thor en demi-dieu extraterrestre est bien mieux inspiré qu’il ne l’était dans le film qui lui était dédié. Le Hulk de Mark Ruffalo n’a rien à envier aux précédents. Captain America continue sur la lancée du sympathique opus qui lui avait été consacré et donne un pendant très appréciable à la rébellion parfois gamine de Stark, qui reste le personnage « central » de cet Avengers. Quant aux nouveaux venus (cinématographiques) que sont Hawkeye et Black Widow, on ne peut que se féliciter du travail accompli par Whedon pour leur donner corps face aux autres, quand bien même ils n’ont pas eu droit à des films dédiés au préalable. Mais s’il n’y avait que le travail d’écriture qui était de bonne facture (bien que le rythme du début du film laisse parfois un peu à désirer, comme tout film de ce type qui nécessite une « installation » des personnages parfois un peu lente), The Avengers ne m’aurait pas enthousiasmé comme il l’a fait. La réalisation y est également pour beaucoup. Les scènes d’action sont elles très rythmées et viennent progressivement annoncer le véritable plaisir du film : la bataille finale. Dirigée de main de maître, Whedon prouve qu’il est bien plus qu’un excellent scénariste. L’action est ininterrompue, les plans sont tous plus audacieux les uns que les autres et la fluidité de l’action donne une lecture limpide des enjeux. On est bien loin de la médiocrité de la scène finale de Transformers 3 ou encore de la réalisation malheureusement confuse de celle de Iron Man 2. Un plan vient sublimer tout le film dans cette séquence où la caméra passe d’un protagoniste à un autre sans aucune coupe au montage. Exploit de post-production évident (et pas forcément de tournage proprement dit), ce plan n’en reste pas moins une très belle idée de mise en scène sur la nécessaire coordination que suppose une équipe de super-héros, si ceux-là veulent dépasser leurs égos respectifs pour sauver la planète.

Jeudi 26 avril

Running Wild (réal. KIM Sung-su, 2006)

Polar coréen comme il en existe tant, Running Wild se situe dans la moyenne. Scénario déjà vu mais néanmoins prenant, acteurs de qualité sans toucher à l’exceptionnel, réalisation classique mais efficace, le film permet de se divertir avec un minimum de qualité tout en proposant quelques scènes assez mémorables, dont les deux « finals » du film, le premier un poil plus convaincant que le second.  On pourra regretter une photographie pas toujours du meilleur goût et quelques faux raccords assez désagréables. Il y a cependant à l’occasion quelques bonnes idées de mise en scène, la plupart sur la figure esthétique du reflet qui parcourt le film, du meurtre du frère aux arrestations du flic et du procureur. Reste aussi la musique du film, signée KAWAI Kenji, toujours aussi envoutant dans ses thèmes musicaux, même lorsqu’il n’illustre pas les films d’OSHII.

Rain Fall (réal. Max Mannix, 2009)

Film d’espionnage situé à Tokyo, mettant en scène agents doubles japonais pour la CIA, police nippone et pègre japonaise de haut-vol (en accointance avec la classe politique japonaise), Rain Fall, au-delà des ses caractéristiques vendues d’avance auprès des nippophiles et des aficionados d’histoire d’espions, n’a pas grand chose à avancer pour lui… Scénario attendu, jusque dans sa « révélation finale », jeu des comédiens un peu trop appuyé, y compris chez Gary Oldman, dont les scènes d’excitation sur ses sous-fifres sont peu crédibles, la mise en scène ne rattrape pas véritablement tout cela : sans être indigente, elle ne remplit que le minimum syndical et le côté mièvre de la romance du récit vient finir d’achever ce film, qui n’a que pour lui son ambiance et son strict respect des langues maternelles de chacun (chose rare dans les films américains). Heureusement que, là encore, la musique du film est signée KAWAI Kenji et qu’elle lui donne parfois un peu plus d’ampleur (même si écoutée dans deux films distincts, mais de manière consécutive, la « patte » du compositeur devient évidente)…

Dimanche 29 avril

24 heures avant la nuit (réal. Spike Lee, 2002)

Premier film vraiment politique sur l’après-11 septembre, 25th Hour, bien qu’étant un film de commande, reste à ce jour pour moi le meilleur film de Spike Lee : l’aboutissement à la fois d’un discours politique sur la société civile américaine et ses engagements, mais aussi de son invention esthétique. Car si globalement le cinéaste ne s’est jamais départi d’un certain classicisme dans la forme (ni même d’ailleurs sur le fond), il a toujours su introduire dans son usage de la caméra et son montage des idées collant parfaitement à son sujet. Ici, la ville de New York est filmée de manière tellement sublimée sur tout un tas de plans qu’il faut revenir aux failles que le cinéaste donne à voir dans la coupe ou le contre-champ (des plans rapides sur la pauvreté ou Ground Zero en arrière plan) pour comprendre le mal-être de cette ville nouvellement traumatisée. Idem des usages importants que le cinéaste fait des effets de transparence et de reflets, en particulier lorsque le personnage de Frank (exceptionnel Barry Pepper) est à l’écran et qui viennent traduire le constant jeu de faux-semblants et d’apparences trompeuses que le personnage entretient alors même qu’il délivre un discours moralisateur à ses amis ou développe un furieux sentiment de supériorité face à eux ou ses collègues. Que dire des effets de loupe ou de fish-eye réservés au personnage de Philip Seymour Hoffman (Jacob), qui viennent appuyer son irresponsable attirance sexuelle envers son étudiante mineure. Enfin, la caméra n’est jamais en reste de filmer avec insistance les formes généreuses de Rosario Dawson (« naturelle » Naturelle Riviera) ! Tout est comme si, dans le monde qui entoure Monty (excellent Edward Norton), l’on ne pouvait que se confirmer à son analyse de début de film sur la ville de New York : un empilement de clichés qui poussent à nous donner la nausée. Seulement voilà, Spike Lee aime trop cette ville pour que cette scène grandiose de monologue de Norton soit regardée autrement que de manière schizophrénique : le texte nous pousse à épouser les vues haineuses (du moins au début) du personnage tandis que les images sont une déclaration d’amour à la Grande Pomme dans toute sa diversité, tant culturelle qu’urbaine. Finalement le spectateur à la fin de la scène ne peut que retourner la diatribe envers Monty (comme le fait son reflet), on ne gâche pas une si belle histoire d’amour (entre le personnage et la ville cela va sans dire). Il faut apprécier avec toute leur subtilité les plans vers le début du film où Monty marche dans NYC et traduit l’osmose qui existe entre ce personnage et ce lieu. Le père de Monty ne se trompera lorsqu’à la fin du film (dans l’évasion rêvée) il lui dira qu’il est un « New Yorker » et qu’il le restera à jamais. Mais au-delà de ces choix esthétiques (dont le redoublement de plans dans le montage utilisé de manière fugace mais intelligemment placé dans le film) qui épousent parfaitement leur sujet, le film pose également l’un des premiers vrais discours critiques sur la société américaine post-11 septembre. Non pas pour en faire le lieu de la dernière liberté et du patriotisme déplacé (il faut voir comment Spike Lee fait usage du drapeau US dans le film à contre-emploi total des usages habituels), mais comme l’événement qui devrait réveiller l’Amérique d’une longue gueule de bois suite à l’effondrement du bloc soviétique. Le trajet de Monty est en parallèle de celui de cette société américaine : en relation avec la finance véreuse (Frank), l’exploitation des opprimés (la mafia russe), l’inconstance des choix moraux (les hésitations de Jacob), l’importance de l’apparence au-delà du rapport réel et profond entre les personnes (son idylle avec Naturelle et sa suspicion d’elle), la société américaine a payé le prix de son insouciance face au monde avec la mort de dizaine de milliers d’innocents dans les Twin Towers, comme Monty va devoir payer le prix de sa délinquance. Comme le dit Frank dans un éclair moralisateur de lucidité devant le chantier de Ground Zero : « He deserves it! ». Finalement, la fin fantasmée de l’évasion proposée au fils par le père n’est que le dernier soubresaut d’une génération responsable de cette situation. Et quand bien même le personnage de Norton ne rejette pas ses fautes sur son père, il faut bien avouer qu’il accepte avec tout le courage du monde à affronter ses propres démons pour aller en prison. Jusqu’à demander à son meilleur ami de le rendre moins beau qu’il ne l’est afin qu’il ne devienne pas le jouet de ses futurs codétenus. Et bien qu’il ne soit pas très clair si la fin est celle d’un enfermement ou d’un avenir qui aurait pu avoir lieu, reste que Spike Lee donne à voir ce que l’Amérique aurait pu être ou pourrait encore être si elle cherchait à comprendre ce que les attentats du 11 septembre ont pu signifier dans son rapport au reste du monde, du moment qu’elle passe d’abord par accepter les conséquences de ses actes et en premier lieu le trauma de 9/11. De même que la scène du miroir et du monologue sur NYC est un vibrant hommage à cette ville unique au monde, la fin fantasmée est une ode aux idéaux profonds de l’Amérique, ceux progressistes qui donnent à tout un chacun leur chance quelque soit leurs origines ou leurs erreurs passées, ramassée dans cette idée américaine par excellence de l’Ouest ou de Frontière. Seulement voilà, la Frontière n’existe plus et il ne reste qu’à Monty et à son père de finir leur trajet le long de l’Hudson jusqu’à la prison d’Otisville, pour que désormais RIEN ne soit plus jamais comme avant : comme l’avait prédit Frank au début du film, sans peut-être même se douter que lui aussi en subirait les conséquences, ce que le plan serré sur son visage à la fin du film semble vouloir dire…

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