"Not a Pax Americana" – réflexions cinéphiles…

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Posts Tagged ‘Michel Audiard’

Trois semaines de films – du 30 juillet au 20 août 2012

Posted by Axel de Velp sur 3 octobre 2012

Les vacances et un déménagement auront eu raison de la régularité des publications du blog tout au long de l’été et de la rentrée… Mais elles reviennent avec ce premier récapitulatif et un nombre non négligeable de films variés et tout aussi plaisants les uns que les autres. Bonne lecture et à très bientôt pour des mises à jour plus fréquentes !

Jeudi 2 août

Gangsters (réal. Olivier Marchal, 2002)

Premier film de cet ancien flic, dont j’avais récemment visionné le dernier film Les Lyonnais, Gangsters reste sans conteste son meilleur film jusqu’à aujourd’hui. Intrigue très bien ficelée, écriture très aboutie, tant dans sa dimension naturaliste que dans ses effets de dialogues, qui rappellent certains grands moments du dialogue à la « française » (Audiard, Blier, Sautet…), Gangsters marque également par son casting très efficace et très crédible. Le tout est servi par une mise en scène classique mais dont la qualité n’a rien à envier à des réalisateurs plus chevronnés que ce débutant d’alors. Jusqu’à la bande originale du film qui colle parfaitement à l’ambiance, le film est une petite perle du polar français.

Vendredi 3 août

La Part des anges (réal. Ken Loach, 2012)

Il ne faut pas se fier à l’affiche française du film qui dessert grandement le propos annoncé. Le dernier film de Ken Loach est une comédie aux accents sociaux réalistes (comme souvent chez lui) réussie et enjouée. Les acteurs donnent le ton, particulièrement ceux qui ont des « gueules », et l’on ne peut pas s’empêcher de se prendre de sympathie pour ces égarés de la société, à qui l’on donne comme une dernière chance. Certains sauront la saisir au vol, d’autres non. Qu’importe, Loach nous donne à voir une tranche de vie qui donne envie de croire encore en elle et en l’espoir que chacun porte.

Samedi 4 août

The Player (réal. Robert Altman, 1992)

Toujours aussi retors et critique vis-à-vis d’Hollywood, même 20 ans après sa sortie, le film d’Altman est un condensé de ses thèmes et figures de style. On y retrouve le jeu à la fois posé et fébrile des acteurs, le tout mélangé dans une même scène, les dialogues qui vont plus vite que l’intrigue, le jeu sur les faux-semblants, la critique de la bourgeoisie américaine, etc. Construction en abyme d’un scénario qui fait la boucle sur lui-même, dans ses enjeux moraux et stylistiques, The Player est l’archétype du film d’Altman intelligent et subversif, mais jamais donneur de leçon, bien au contraire. Difficile pour le spectateur de ne pas succomber au charme « maléfique » du personnage de Tim Robbins, ou bien de ne pas avoir à l’inverse d’empathie pour celui de sa petite amie qu’il abandonnera, après l’avoir scrupuleusement humiliée. Altman ne dit rien d’autre dans ce film finalement que quelque soit le milieu dans lequel les hommes évoluent, qu’il soit celui du rêve ou du mal, ils sont tous les mêmes : capable du pire comme du bien, mais toujours dans leur intérêt et par pure égotisme.

Lundi 6 août

Les Tontons flingueurs (réal. Georges Lautner, 1963)

Que dire sur ce chef d’œuvre du cinéma comique français qui n’ait pas déjà été dit maintes et maintes fois ? Que le duo Lautner Audiard y est certainement à son firmament ? Que le casting Blier, Ventura et consorts y démontrent toute la force comique de leur jeu ? Les Tontons flingueurs, appartient à cette catégorie de films dont la légende semble dépasser leur vérité (parce qu’un nombre conséquent de scènes et de lignes de dialogue sont gravées dans la mémoire collective populaire), mais qui en réalité se dévoilent à nouveau à nous avec toute leur force et leur splendeur, lorsqu’on reprend le temps de les regarder en entier.

Mardi 7 août

Monsieur Hire (réal. Patrice Leconte, 1989)

Ce film de Leconte aura eu le mérite de faire comprendre toute la gravité possible d’un acteur comme Michel Blanc. Comme d’habitude chez le cinéaste, la concision de l’écriture et le dépouillement de sa mise en scène, marié à une photo toujours très travaillée, ont le don de marier les antagonismes au service de l’intrigue et de l’ambiance. On y retrouve son sens de l’érotisme si particulier et la gravité de situations où l’effet comique n’est jamais bien loin, mais pas vraiment à portée de main ou de rire, devrais-je dire… Monsieur Hire, c’est un voyage dans l’esprit et la vision du monde d’un homme reclus qui croit en l’amour qu’il n’a jamais vraiment connu : une ode aux amoureux transis mais éconduits qui feraient tout pour celle qu’ils aiment !

Dimanche 12 août

Les 12 travaux d’Astérix (réal. René Goscinny, Henri Gruel, Albert Uderzo & Pierre Watrin, 1976)

C’est peut-être parce que le dessin animé n’est pas vraiment adapté d’une des bandes dessinées originales, qu’il est à mon sens l’un des plus réussis de la série des Astérix et Obélix. Successions de scènes hilarantes (l’île aux plaisirs, le « psy » égyptien, le restaurateur belge, et bien entendu la maison des fous), le film nous emmène dans un délire où anachronismes et bons jeux de mots se côtoient avec réussite tout en misant sur le burlesque et le loufoque. Servie par une animation correcte, mais sans grande qualité, le film divertit à l’envie petits et grands.

Mercredi 15 août

Le Voyage de Chihiro (réal. MIYAZAKI Hayao, 2001)

Certainement l’un des meilleurs films de Miyazaki et surtout l’un des derniers qui soient vraiment réussis (mise à part peut-être Ponyo sur la falaise), Chihiro est indéniablement un aboutissement dans les thématiques chères au cinéaste japonais. Mêlant traditions nippones, croyances ancestrales, modernisme des relations humaines à un souci de discours environnemental, comme dans presque tous ses films, Chihiro emmène le spectateur dans l’accomplissement de la maturation d’une petite fille à celui d’une jeune adulte. Proposant rien moins qu’un film didactique et d’apprentissage s’il en est, Miyazaki sait aussi nous faire rêver et émerveiller, tant par l’étendue et la richesse intelligible de l’univers qu’il propose que par son foisonnement créatif. On regrettera justement dans ces films ultérieurs un certain appauvrissement tant au niveau narratif qu’au niveau purement visuel (surtout dans Le Château ambulant). Le film est également supporté par une animation 2D sans faille, d’une très grande qualité et d’un rythme parfois époustouflant, à mille lieux de tout ce qui se faisait dans le reste du monde à la même époque (à l’exception de quelques autres films nippons d’animation, bien entendu).

Dimanche 19 août

What’s Eating Gilbert Grape? (réal. Lasse Hallström, 1993)

Deuxième film américain du cinéaste suédois, Gilbert Grape est une histoire attachante, sur un scénario humain comme souvent les cinéastes émigrés à Hollywood savent en produire. Film à comédien avant tout, il est l’occasion pour deux géants du ciné US contemporain de se rencontrer. D’abord Johnny Depp, dont la carrière avait déjà décollé mais où dans ce film il confirme toute la force et l’étendue de son jeu, éloigné de son « mentor » récent, Tim Burton. Ensuite, et surtout Leonardo DiCaprio qui signe ici son premier vrai grand rôle, en même temps que Blessures secrètes (de Michael Caton-Jones), après de multiples apparitions dans des séries télévisées et des films de série B (dont Critters 3 !!!). Il faut saluer la capacité d’Hallström à donner à chaque comédien sa place justifiée dans le film sans que jamais l’un n’empiète sur l’autre, à tel point que l’écriture et la direction d’acteurs sont en parfaite symbiose et que la relation qui lie Gilbert à son frère handicapé est parfaitement retranscrite à l’écran. Le reste du casting est de très bon niveau également et l’on ne peut s’empêcher de sourire aux apparitions et performances diverses de Mary Steenburgen Kevin Tighe, John C. Reilly ou encore Crispin Glover (que j’avais aperçu récemment dans The Player).

Red Dragon (réal. Brett Ratner, 2002)

Deuxième film adapté du premier roman de la trilogie de Thomas Harris, Red Dragon est bien loin de la première adaptation signée Michael Mann, Manhunter (bêtement traduit en français par Le Sixième Sens). A l’évidence, Brett Ratner n’a pas le talent de Mann et la direction d’acteurs est particulièrement ampoulée (alors que le film est quand même servi par des comédiens de renom, dont Edward Norton et Anthony Hopkins pour ne citer que ceux là), à l’exception de Ralph Fiennes qui surpasserait presque la prestation de Tom Noonan, excellent tueur en série du premier film. Qui plus-est, tout cela est accompagné d’une mise en scène fade et sans point de vue qui empêche toute envie de se laisser happer par le film. Quelques rares scènes viennent égayer la vision d’ensemble, mais on a quand même bien l’impression d’un remake à gros sous raté, qui ne cherche qu’à capitaliser sur le grand succès critique et public que fut en son temps, Le Silence des agneaux.

Lundi 20 août

Europa (réal. Lars von Trier, 1991)

Je n’ai jamais été un grand fan du cinéaste danois. Exit pour moi Les Idiots, Dancer in the Dark ou Dogville, mais toute la première partie de la carrière du réalisateur a toujours su me parler. Qu’il s’agisse de Breaking the Waves, Element of Crime ou Europa, je me sens beaucoup plus en phase avec son cinéma de cette époque qu’avec celui plus récent qui a fait de lui la coqueluche des festivals et des revues de cinéma. Europa c’est avant tout une expérience sensorielle, l’image et le son ayant une qualité quasi hypnotique dans le film. Les passages en couleur au milieu du noir et blanc, les chevauchements sonores, les dialogues multilingues, tout concourt à perdre le spectateur dans une démesure, dont le propos du film se fait l’écho. Réflexion sur l’Europe après la Seconde Guerre Mondiale, le film de Lars von Trier brasse les culpabilités allemandes (mais pas que…) autant que les sentiments de revanche, au milieu de la désolation et de la ruine. L’image du train comme liant d’un monde décomposé ou plutôt en recomposition renvoie à une imagerie très romantique, alors même que le film ne peut s’empêcher de renvoyer à une esthétique assez froide et déshumanisée… Europa marque surtout par l’ampleur de son discours et de son sujet et l’ambition (parfois un peu too much) de poser un regard « artistique » sur l’une des périodes les plus sombres de notre récente Histoire.

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Une semaine de films – du 2 au 8 avril 2012

Posted by Axel de Velp sur 10 avril 2012

Je vous propose, à l’occasion, un récapitulatif des films que j’ai visionnés sur une semaine et de vous en donner une lecture, à la fois critique, partiale et plus ou moins succincte, selon ce que les films m’inspireront au fil de l’écriture de ces billets, que je souhaite les plus spontanés possible. J’espère parfois vous donner envie ou vous dégoûter, selon chacun, chacune et chaque film…
Dans la mesure du possible, je m’abstiendrais de dévoiler trop des films, sauf quand j’estimerai qu’ils font partie du patrimoine cinéphilique obligatoire (j’exagère bien entendu), ou bien lorsque mon propos ne pourrait se passer, pour être limpide, d’explications précises, ou bien aussi lorsque je n’aurai que trop peu d’estime pour le film en question.

Décidément, j’enchaîne les semaines maigres en ce moment. Seulement deux films à vous proposer. Mais deux films qui méritent largement le détour. Bien que le premier ne m’ait pas beaucoup surpris par rapport à mes précédentes visions, il reste encore aujourd’hui l’un de mes films préférés sur l’idée de comment écrit-on une histoire en y incorporant – visuellement – de l’Histoire. Le second a été l’occasion d’une agréable redécouverte à l’occasion de la triste disparition du réalisateur de L’Effrontée et de La Classe de neige (pour ne citer que ceux-là).

Jeudi 5 avril

Titanic (réal. James Cameron, 1997 – 2011 pour la version en 3D)

Revoir en salle le film de Cameron reste pour moi une expérience hors du commun. Sans m’appesantir sur les raisons qui me poussent à considérer Titanic comme un chef d’œuvre et qui m’ont poussé à aller voir 4 fois en tout au cinéma (celle-ci y compris), je ne ferai que les réitérer ici rapidement : l’ampleur de la production, la qualité de l’écriture, tant sur le plan historique et sociétal que sur le rythme et la romance, mais aussi la réalisation dont pas un plan n’échappe à la pensée profonde qui habite tout le film (et qui est la première raison de mon amour pour lui) : inscrire l’histoire d’un film dans l’Histoire. Alors quid de ce passage à la 3D, forcément post-produite… ? Conquis par ses choix de mise en scène d’une 3D filmé avec rarement autant d’inspiration dans Avatar, je ne pouvais qu’être curieux de voir ce que Cameron allait proposer sur le champ de la « post 3D ». Le constat est mitigé mais globalement je dirai qu’elle n’apporte pas grand chose au film. Ce qui est intéressant, c’est que Cameron essaie de suivre les mêmes choix que ceux qu’il a fait pour Avatar et donc la 3D est rarement utilisée à des fins de « spectaculaire ». Revers de la médaille, elle est donc moins évidente à mettre en valeur en postproduction puisque son usage dans Avatar prenait tout sens dès le filmage lui-même. Le film n’est donc pas transcendé par cette transformation, mais cela étant il nous fait rêver à ce qu’il aurait pu être si Cameron l’avait filmé dès le départ en 3D. Et tout particulièrement les plans sous-marins du vrai Titanic. Ils gagnent non pas en « crédibilité » (la question en fait ne se pose pas et ne s’est jamais posé, bien au contraire, puisqu’elle est l’une des forces du film dès le départ), mais ils gagnent en substance, en matière presque « palpable » à l’écran. Cet ajout de la 3D sur ces plans-là vient augmenter l’effet de « réel » de cette épave centenaire qui se déploie sous nos yeux, comme l’unique vestige de cette folle entreprise de puissance des hommes et témoignage de leur orgueil fatal et meurtrier.

Dimanche 8 avril

Garde à vue (réal. Claude Miller, 1981)

L’actualité permet parfois (et le plus souvent pour des raisons malheureuses) des séances de « rattrapage ». Ainsi, j’ai regardé Garde à vue pour la première fois lorsque je devais avoir une dizaine d’années. Le souvenir que j’en avais était plus que flou, aussi cette vision nouvelle fut-elle très appréciable. Troisième long métrage de Miller, le film est adapté d’un roman de Jon Wainwright. Production de haut niveau pour l’époque – Ventura, Serrault, Schneider au casting, Delerue à la musique, Nuytten à la photographie, Audiard aux dialogues – Garde à vue est en effet un film français policier de premier choix. L’écriture est délicieuse et donne aux comédiens de nombreuses scènes marquantes, tout en proposant une critique de la bourgeoisie provinciale qu’un Chabrol n’aurait pas renié. Ménageant le suspense avec intelligence mais sans artifices, le film montre aussi un travail visuel assez jouissif. Les lumières sont quasiment toutes travaillées sur le motif des reflets, des transparences, des vitres, dès que la caméra n’est pas centrée sur les personnages, comme pour nous faire comprendre que les enjeux de la rencontre entre le notaire et le flic vont bien au-delà des apparences et du meurtre de ces deux fillettes. Travaillant le cadre avec une composition assez théâtrale, mais sans non plus ignorer des mouvements dans le champ ou de la caméra elle-même, ces mouvements sont souvent très évocateurs (le téléphone au premier plan qui vient envahir l’image avant qu’il ne soit évoqué dans le dialogue et ne se perde ensuite dans l’arrière-plan pour donner à cet arrière-plan sa pleine place dans le cadre). Au final, le rythme du film aussi est exemplaire, car finalement assez court, il est suffisamment dense pour que la crédibilité d’une nuit entière passée dans le commissariat de police ne soit en rien entamée.

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